周华健说，别叫我大哥，我上面还有个大哥（李宗盛）。
李宗盛说，我算什么大哥？ 我上面有一个真正的大哥。
如果你想和我谈心或者谈一场狂野的孩子气，你可以和歌里的这位大哥喝一杯。
可以毫不夸张地说，罗大佑的歌词集诗学、美学、政治哲学、社会科学为一体，拓宽了流行音乐所承载的内容范围。 正因为如此，他的音乐记录了整个时代的酸甜苦辣。
1974年，罗大佑创作了两首歌曲，一首是为电影《光辉灿烂的日子》创作的《歌》，另一首是《乡愁四韵》。
对于罗大佑创作的第一首歌，他本人在不同时期的不同采访节目中也有不同的看法。 我们不会在这里详细探讨它。
《乡愁四韵》是余光中先生的诗歌作品。 作为台湾首屈一指的诗人，很多人可能对余先生并不熟悉，但你一定听过《乡愁》中的“小时候，乡愁是一块小石头”这句台词。 邮票，我在这边，我妈妈在那边。” 老人用具体的事物来描述原本说不清楚的乡愁，让每一个读诗的人都能感受到因政治因素而孤立的两岸人民如何继续思念彼此的家乡。
同样，《乡愁四韵》中的“给我一瓢长江水，长江水”也有同样的含义。
因为如果你看罗大佑的作品，他对家乡的感受，对家乡变迁的反思，始终贯穿其中。
在哈佛大学的一次演讲中，他着重描述了自己20岁之前与父母一起在台湾搬家的经历，这让他感受到了童年时期家乡的状态。 童年和青少年时期的感受一直影响着他的创作。
1982年第一张专辑《知乎者也》A面第一首歌曲《鹿港镇》就是从《家》开始的。 从《如果你丈夫是鹿港镇人》开始，罗大佑讲述了一个让他困惑又愤怒的故事。
所谓迷茫，就是每个年轻人都认为台北是“黄金天堂”，但它能容纳那么多梦想吗？ 而另一件事是，如果真想“香火代代相传”，是否应该采用“把家乡的红砖挖出来，砌水泥墙”的方法呢？
这两种情感混合在一起，准确地传达了当时背井离乡的人们的心理感受。 他们在大城市与“现实”作斗争，而他们的家乡却以“失去曾经拥有的东西”的形式发生着翻天覆地的变化。 还可以吗？ 如果可以回去，家乡为何要改变？ 这种改变是好事吗？
诸如此类的疑问，让《台北不是我家》的主旋律一次次击中人们心灵的最深处。 这首歌也让《霓虹灯》成为城市邪恶意象的代表，以及现代城市对逝去的农业时代的影响。 人们内心的抗议和悔恨在这首歌中表达得淋漓尽致。
多年后，李剑清创作的另一首歌《出城》中也提到了“红砖、水泥墙、失意的年轻人、梦中的少女”的形象。
“你没见过这栋高楼，他们用旧砖砌了新城墙，如果有人用当地口音叫你，你都不知道该如何转身。”
与罗大佑年轻时的愤怒相比，老李写的这首歌情绪复杂，悲伤，充满了当叔叔时的回忆。 对于家乡的变化，罗大佑当然没有再冲动和愤怒。 相反，回忆会让你重新思考家乡的变化。
1984年，招标片《家》问世。
“每一首想你的诗，都写在雨后的玻璃窗前，
每一首热情的歌曲，都唱着对你无意的承诺，
每次牵着你的手，我都不敢看你的眼睛。 ”
这些诗反映了罗大佑走出家门后回望家乡时的感受。
家也许不是一个完全充满诗意的地方，但我曾经漂泊过世界的“疲惫的灵魂”又该安放在哪里呢？
是你离开的家，还是你辛辛苦苦寻找的家？ 哪里才是你最终可以安心的家呢？
多年后的2017年，《到观音山》或许就是答案。 罗大佑在创作这首歌曲时，反复研究了有关轮公真的资料，多次驾车、乘船游览观音山。 当然，歌词中又出现了“城墙”。 就好像一次来回的旅行，一个轮回。
“回来了，城墙好像被拆了，但又重新出现了。”
城墙好像被拆了，但又会重新出现。 这里的归来，大概就是游子离开又回来，从愤怒到平静的整个过程。 歌曲MV中，昔日的恋人、曾经一起创作音乐的伙伴，从分离到回首重逢。
“淡水缓缓流过，日夜繁星，闪烁的基隆河。昨天的寒天，雨天，转眼就是明天的晴天。” 如果你真正用心倾听，你就会听到让你感到安心的地方和人。 宁静的家正张开双臂等待您的归来。
“古老的艋舺歌谣，传唱在云端、跨越桥梁、环绕河流。它们就在你的耳边，在你的眼前，在你慈悲的世界里。” 是的，这里有慈悲，家也有慈悲。 如果你觉得爱情像林夕笔下的富士山，那么她的家乡也许就像罗大佑笔下的观音山。 她独自静静地站着，等待着逃走又归来的孩子们，慈悲又宽容。
从“鹿港镇”到“家”再到“到观音山”，人生的旅程在与家的离别与团聚中充满了悲欢离合。
如果说对家乡的思念是罗大佑创作的基础，那么他在歌词中构建的滚动世界则充满了血肉，那里有所有追梦人正在经历的爱与恨。
1990年，两部电影分别在香港和内地上映，一部是刘德华导演吴倩莲的《如果有爱》，另一部是林青霞导演的《红尘》。 这里不得不提三毛，当然还有罗大佑的两首歌，《滚滚红尘》和《追梦人》。
电影《红尘》反映的是张爱玲和胡兰成，他们之间的爱恨纠葛难以形容。
本片的编剧三毛只能回忆起他和丈夫何塞在撒哈拉沙漠中经历过怎样的爱情。
“你当初是粗心的，我年轻时也是粗心的。红尘中的爱情，只是因为生命的匆忙和沉默而停滞。”
这大概是每个故事的开始，是爱情中最幸福的回忆。 然而，命运总是捉弄人。 “分离容易，相聚难，爱恨千古愁”，是滚滚红尘中最难解决的。 地方。
罗大佑用宏大的悲凉和真切的慈悲，用俏皮的笑容表达了李宗盛想说的话，“我只见过久别重逢，却从未见过久别重逢。”
“流浪的足迹在沙漠里，书写着永恒的记忆。” 三毛自杀的原因或许无从考证。 我们时常会回忆起许多作家、诗人、艺术家的无心结局，或许我们只能感叹：“痴情笑我红尘，最后难解的牵挂。”
如果说《追梦人》的深度让人感伤，那么聆听罗大佑为邓丽君小姐创作的歌曲《爱的妈妈》，或许就能体会到另一种人情关怀的深情。
“我把真心给了你，把悲伤留给了自己。我把青春给了你，把岁月留给了自己。”
它瞬间把所有人拉回到过去，你会突然想起陈升的那句“把我的悲伤留给自己，让你带走你的美丽”。
与陈胜相比，罗大佑用诗歌来形容爱一个人的深沉。 而成为一个让人如此沉迷、无法自拔的恋人又是怎样的呢？
罗大佑这样形容甄妮1986年演唱的《海上花》：
“你是那么温柔，给了我一个梦想。你是那么深情，摇动着我的梦想，如大海里的波浪般缠绵。”
大海和海浪很少作为情歌的意象。 亲人给我梦想的想法，我想，可能来自于另一位资深音乐人。 罗大佑曾表示，他特别喜欢并深受陈歌辛创作的一首作品《永远的微笑》的影响。 。
“我心里的那个人有那么多的宝藏，他可以给我黑夜里的阳光，他曾经给过我深秋的春天。” 意图非常相似。
然而，这样的“对你的陌生的爱”仍然会击碎我的梦想，所以我才会有这些令人心碎的话语：
“一转身，波涛汹涌，消失在红尘之中，空气中留下水痕和仇恨。我只愿他活着，愿昨日的身影能在他身边，我们永远不会分离。”
这里又提到红尘，类似于“分离容易，相聚难”。 或许你会注意到，罗大佑的红尘里，时常有惊涛骇浪，深情一转身就会被淹死。
因此，在罗大佑的歌词中，面对变幻莫测、难以捉摸的人间，只有最深切的关怀。 这种关怀，不仅是对风月的关怀，更是对生命、人性的理解。
在电影《黄金时代》中，罗大佑还请林夕为《一生只有一次》作词，这是一首描写作家萧红一生的歌曲。 林夕有很多歌词表达了他对命运的难以捉摸的感受。 这里又用了“佛采花迦叶笑”的典故，为萧红的一生提供了“行至蓝天碧水深处，循环无穷”的注解。
相比之下，罗大佑近年来写自己的坎坷遭遇和滚滚红尘，已经是心胸开阔了。 看完电影《我不是药神》和《夜是秋月光》后的感想，让我更加深刻地思考人性的善良。
罗大佑在歌曲的主体部分引用了很多侯朱的歌词，但作曲时并没有悲伤的基调。 他借用春花、东风等意象，只是为了延续“若身在红尘乱世，难以逃脱”、“今生此时，人类在这野林之中。 ” 还有“路来如春花，夜如秋月”。
如果说滚滚世事的沉浮都被春花化解，那么时代的沉浮又如何呢？
讲完了罗大佑歌词的根基和血肉，我们就要写一下他们的精神。 对于时代的兴衰，罗大佑的歌词有一种堪称启蒙的力量。
铜板正面写着“世界是早晨”
硬币反面写着世界已黄昏
听我的歌声
地下隧道的墙壁问今天谁是瞎子还是聋子
算命老人受到无知之人的过分青睐
空中先知的话有没有进入你的耳朵呢？
来自潮汐和蝉的消息
朦胧的
这是《失明与失聪》中的一句歌词。 我们常说，朦胧诗具有意象性、象征性、哲理性等诸多属性。 其中的隐喻独白和忏悔更是刺耳。
即使你不听这首歌，光看这句歌词，你也会反复思考铜板的形象代表着什么，无知与先知的对比指向什么，以及潮汐和潮汐中传达的朦胧信息。蝉声不正是比喻当时社会的朦胧状态吗？
我们现在回顾那个时代，当时《知乎者也》这首歌问世，是具有开创性的。 罗大佑引发的黑色旋风可以解读为一场文化事件。
多年后，一位南京市民在《大事之声》中首次与偶像合唱。 当时的情景现在想起来仍然让人忍俊不禁。
“睁一只眼，用嘴喊。捂住耳朵，大家都高兴。大家都知道，大家都关心。你我只是站在一旁看着。”
如今，这些歌词依然可以看作是对你我袖手旁观的直接控诉。 随后第二张专辑《未来大师》问世。 除了引起反思的《盲聋子》之外，还有马世芳在他的《听与听》中特别提到的三首歌曲，献给台湾的过去、现在和未来。 。
《亚洲孤儿》写台湾的过去，《七十二变》写台湾的时代，《未来大师》写台湾的未来。
20世纪80年代现代诗人梁晓宾也写过《红街奔跑，荒野欢呼》这样的诗。
那白色的伤痕，正是开头所说的乡愁的根源。 1949年到1987年的禁令激发了太多的思考。 时代变了，十年前，当这个北方重工业城市正在经历从计划经济向市场经济的转变时，几个年轻人大声喊着“杀掉那个石家庄人”。
正是这些敢于真实面对时代痛苦的歌词才会让大家反思。 歌词中沉重的理想可以唤醒麻木的人，也可以被后人铭记。
1985年，来自台湾、香港、新加坡的60多位歌手演唱了一首模仿《我们是世界》的歌曲《明天会更好》。 该歌曲由罗大佑作词、作曲。
今天我们听到的版本是平和而温柔的，但如果你看看罗大佑当时的手稿，你会发现更多的反思命题。
“嘶哑你的喉咙，发出一声怒吼，让我们撕裂这个旧世界，让我们重建一个美丽的新世界，让我们的泪水淹没这个卑鄙的灵魂，向天空虔诚祭祀。谁能离开我们的家，抛弃我们的家园？”几代人的尊严，谁能忍心看到昨天的小丑夺走我们的笑容。”
罗大佑想要觉醒的是什么，不言而喻。 而这种“尊严代代相传”在《东方之珠》的歌词中得到了再现。
1994年，罗大佑发行专辑《情歌2000》。 专辑文案如下：
一百年又一个世纪，每六年一首情歌。 公元1982年，《知乎者也》开启了我们1980年的情歌；公元1988年，《情人同志》预言1990年世界将变成情歌；公元1994年，《情歌2000》追寻行踪的黄脸。
喜马拉雅山也在《情歌2000》中第二次出现，山峰也对着远处的海峡，但谁在看谁呢？ 那么黄脸的来去是否清楚呢？
我们经常探讨歌曲和历史之间的关系。 歌曲如何为时代说话？ 为时代而写的情歌是最美的声音吗？
罗大佑对时代的影响是什么，他的抒情创作有何不同？
高晓松、詹伟雄等多位知名音乐人、学者评价罗大佑是这个时代的英雄，是乐坛的灯塔，照亮了整个80、90年代音乐人的创作方向。
今天我们讨论的是歌词创作，我们不打算大篇幅地列出他的好评。 这些对你我来说还不够具体。
我只简单讲一下哈佛四位音乐家、作词家罗大佑、高晓松、方文山、尹悦的《中国流行音乐与文化四十年》的讲座。 其中方文山的一段演讲，我觉得非常适合讨论罗大佑的歌词。
方文山在演讲中提到了他认为的“诗人”和“文学家”的区别。 当然，这里的“诗人诗人”我想只是方文山的具体指称。 他说，诗人的创作必须服务于他人的委托和情感，需要情感的最大公约数。 由于各种商业原因，歌词中需要突出一些关键词和元素，这是被动写作。 抒情创作中的“诗人”是主观的，服务于自己的情感，就像罗大佑老师的创作一样。 两者的区别在于创造性思维的不同。
且不说苏东坡、辛弃疾如何用主观的表现来拓展宋词的境界，使诗歌的创作形式不再为士大夫的歌舞服务，或因小爱而被铭记。 我们只谈音乐的歌词创作，哪一个更好？
在这次演讲中，你可以了解到罗大佑与大多数套路填词人的区别，他的歌词与很多公式化创作的区别，也可以了解方文山的歌词为何呈现现在的格局。
罗大佑的话为何如此鼓舞人心？ 罗大佑的歌词是诗，难道只是为自己的情感服务的主观表达吗？ 我认为这还远远不够，他还不止于此。
当然，这里面还有更多样、严肃、沉重的东西。
1976年后，当代文学诗歌摆脱了歌颂形式，重新获得了新生。 曾经因政治原因被迫“出走”的诗人纷纷“回归”，重新发表诗歌，比如艾青的《归歌》。 他们带来了对自由和历史的思考。
而在政治浩劫中成长起来的青年诗人，如顾城、北岛，也找到了不同的方向，那就是探索社会意识形态和人性本身。 整个20世纪80年代，诗歌对历史和社会现状的反思达到了顶峰。
这些诗句融合了诗人的真知灼见，承载着思潮，冲击着人们，最终引起更多的共鸣和思考。 当我们回顾罗大佑的歌词创作、他所经历的政治敏感时期以及他的歌词所体现的思想和主题时，我们会发现他的歌词与这些诗歌的主题没有什么不同。
所以我想说这个更深刻的东西是一个精神内核，从自己的情感出发，却能引发大家的反思，把自己的人生经历和对整个时代的思辨结合起来。
他的歌词富有诗意，是时代的声音。
如果你觉得老李的歌词很直白，就像白居易一样，那么他哥哥罗大佑的忧郁是谁呢？
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